Kenneth Noland

Collection Françoise Mayer and Marc Sohier, Brussels (acquired directly from the artist in 1969)

Thence by descent to the present owner

Brussels, Galerie Françoise Mayer, Sélection an 5, 17 November - 5 December 1970 (probably)

"Noland's search of the ideal Platonic form has crystallized into an art in which color and form are held in perfect equilibrium. The spare geometry of his form heightens the emotional impact of his color. The rational and the felt, distilled form and sensuous color intermesh to create a magic presence. His space is color. His color is space. Color is all."

— DIANE WALDMAN, Kenneth Noland: A Retrospective, New York, 1977, p. 36

Light Weight, painted in 1969 by Kenneth Noland, is a striking work due to its exceptionally large format and its use of vibrant horizontal bands. The composition alternates bands of light gray, yellow, red, and blues ranging from turquoise to cerulean. Each color is softened by the subtle introduction of white, which creates harmony between the different tones.

This painting is part of the Stripe Paintings series, a body of work Noland began in 1965. The Stripe Paintings represent a new exploration of color’s potential, where Noland used horizontal stripes as a repetitive structure to emphasize the richness of chromatic harmonies. Inspired by his study of color interactions under the influence of Josef Albers, Noland sought to simplify forms in order to enhance the emotional impact of color.

The large format of Light Weight plays a crucial role in the immersive effect Noland aimed to create. The work exceeds the usual field of vision, encouraging the viewer to move along the canvas to grasp its full extent. This approach allows for an almost enveloping physical relationship with the painting, reminiscent of Noland’s earlier experiments with fabric pieces, which he used to explore large formats without being constrained by traditional dimensions. By working on these vast surfaces, Noland pushed the boundaries of the frame, integrating the canvas into the surrounding space, allowing color to take precedence.

Kenneth Noland described himself as a "one-shot painter." Inspired by the "soak-stain" technique used by Helen Frankenthaler, Noland, along with his friend Morris Louis, adopted this method, which requires precise and definitive execution. Using diluted acrylics on an unprimed canvas, he could not afford to revisit a color or a stroke once applied. This technique demands immediacy and controlled spontaneity, giving Light Weight a particular freshness and liveliness. By absorbing the paint on the first stroke, the canvas becomes an extension of the color itself, translating Noland’s belief that each gesture must be final and capture the essence of the composition without hesitation or retouching.

His Stripe Paintings, including Light Weight, reflect a deep contemplation of color and space. A key figure of the Color Field Painting movement within the Washington Color School, Noland offers a work characterized by an economy of means and visual clarity, allowing for deep introspection.

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" La quête de Noland pour la forme platonicienne idéale s’est cristallisée en un art où la couleur et la forme sont maintenues dans un équilibre parfait. La géométrie épurée de sa forme amplifie l’impact émotionnel de sa couleur. Le rationnel et le ressenti, la forme distillée et la couleur sensuelle s’entrelacent pour créer une présence magique. Son espace est couleur. Sa couleur est espace. La couleur est tout. "

—DIANE WALDMAN, KENNETH NOLAND : A RETROSPECTIVE, NEW YORK, 1977, P. 36

Light Weight peint en 1969 par Kenneth Noland, est un tableau frappant par son format exceptionnellement large et son usage de bandes horizontales aux couleurs vibrantes. La composition alterne des bandes de gris clair, de jaune, de rose et de bleus allant du turquoise au bleu céruléen. Chaque couleur est adoucie par l’introduction subtile de blanc, qui crée une harmonie entre les différentes tonalités.

Ce tableau fait partie de la série des Stripe Paintings, un ensemble d'œuvres commencé par Kenneth Noland en 1965. Les Stripe Paintings représentent pour l’artiste une nouvelle exploration des possibilités de la couleur dans laquelle il utilise les bandes horizontales comme une structure répétitive pour mettre l’accent sur la richesse des harmonies chromatiques. Inspiré par son étude des interactions chromatiques sous l'influence de Josef Albers, Noland cherche à simplifier les formes pour amplifier l'impact émotionnel de la couleur.

Le très grand format de Light Weight joue un rôle essentiel dans l'effet immersif que Kenneth Noland cherche à créer. L’œuvre dépasse les limites du champ de vision habituel, incitant le spectateur à se déplacer devant la toile pour en saisir toute l'étendue. Cette approche permet une relation physique presque enveloppante avec le tableau, rappelant les premières expérimentations de Kenneth Noland sur des pièces de tissus, qu'il utilisait pour explorer les grands formats sans être contraint par les dimensions traditionnelles. En travaillant sur ces vastes surfaces, Noland repousse les frontières du cadre, en intégrant la toile à l’espace environnant, ce qui permet à la couleur de prendre le dessus.

Kenneth Noland se définissait comme un « one-shot painter ». Inspiré par la technique du stain painting utilisée par Helen Frankenthaler, Noland tout comme son ami Morris Louis adopte cette méthode qui exige une exécution précise et définitive. Utilisant des acryliques dilués sur une toile non apprêtée, il ne peut pas se permettre de revenir sur une couleur ou un trait déjà appliqué. Cette technique impose une immédiateté et une spontanéité maîtrisée, ce qui confère à Light Weight une fraîcheur et une vivacité particulière. En absorbant la peinture dès le premier coup, la toile devient une extension de la couleur elle-même, traduisant ainsi l'idée développé par Kenneth Noland que chaque geste doit être définitif et capturer l'essence de la composition sans hésitation ni retouche. 

Ses Stripe paintings, dont fait partie Light Weight, témoignent d'une profonde réflexion sur la couleur et l'espace. Figure majeure du Color field painting au sein de l'école de Washington, Kenneth Noland nous offre une œuvre marquée par une économie de moyens et une clarté visuelle, qui permet de nous plonger dans une profonde introspection.