李元佳 | 無題

款識：元佳 四七（右上）二·22（左下）

歐洲私人收藏

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戰後亞洲藝術 二次大戰之後，亞洲藝術大師輩出，他們憑藉豐富的創造力、劃時代的眼光、加上善用深厚的傳統底蘊，在全球藝壇大放異彩；過去二、三十年的拍賣市場，對於推廣趙無極、朱德群、吳冠中等戰後大師的成就亦卓有建樹，豎立足與西方大師分庭抗禮的成功個案。然而，西方現當代藝術之強勢，遠不止於擁有獨當一面的大師，還在於擁有無數別開生面的前衛運動與藝術結社，形成反映時代、指引未來的巨大力量。縱觀全球戰後藝術發展，能夠代表亞洲話語權，在西方藝壇獨標一幟，並且爭取到一眾歐美名家參與者，唯有六〇年代的「龐圖國際運動」（Movimento Punto）。此一明確以東方「靜觀精神」為宗旨而具有充份開放性的國際運動，成功凝聚起亞洲藝術力量，無論是運動的核心抑或周邊成員，都因此獲得明確的現代東方文化標識，而不必附庸於西方浪潮。承接晚拍部份的「戰後亞洲藝術」專題，現代亞洲藝術日拍將從龐圖運動溯源至東方畫會，並透過著名詩人羅門的「燈屋」收藏，呈獻以五月畫會為主的中國戰後藝術，以及來自另一來源、曾經長期借展於哈佛大學亞瑟．賽克勒博物館（Arthur M. Sackler Museum）的劉國松六〇年代抽象；龐圖運動的西方健將，及與龐圖關係至深的西方巨匠，亦將在香港首度登場，循此宣示現代亞洲藝術並不囿於亞裔藝術家，實乃全球共傳之藝術寶藏。而為我們揭開這場宏大史詩的，則是一生特立獨行的龐圖領袖李元佳，以及他旅居海外初期的最重要贊助人、國際設計大師葛維納（Dino Gavina）。

從甲骨文到宇宙點：李元佳的哲學之詩

李元佳，戰後亞洲藝壇的天外游龍。這位生於中國廣西的國軍後裔，畢生游走於台北、米蘭、博洛尼亞、倫敦以至坎布里亞等地，特立獨行的他不受名利約束，選擇自由遁世的生活，卻奇跡般隻身創立了北英格蘭一座每年來客三萬人的李元佳博物館。他的藝術深處，體現了最純粹的東方靜觀精神，而在藝術形式上，則始終在數十年的創作生涯中進行最徹底的簡化。李元佳的藝術之路，始於他1952年投身前國立藝專教授李仲生在台北安東街開設之畫室,《無題》（拍品編號702）和《無題》（拍品編號704）即顯示藝術家當時的典型風格：書寫性線條在畫面中心反覆交織，形成康丁斯基（Wassily Kandinsky）式的音樂性，甚至讓人聯想起活躍於同年代的超現實大師米羅（Joan Miro）；飛揚的線條和星屑般的彩點，在藝術家的佈局下，編成一種韻律性的章法結構，盡見筆勢與墨法之奧妙。1957年，李元佳與蕭勤、霍剛等人於台北成立「東方畫會」，他們秉持獨立於官方意識形態的自由創意與精神，並從中國哲學的根本，發展出與現代主義接軌的創新風格，旨在顛覆當時保守的繪畫形式。李元佳從金石和甲骨文裡尋找靈感，表現出富有中國趣味的抽象畫風。李元佳的台北時期油畫可能不到十幅，而難得一見的《無題》（拍品編號701）即以拼貼與書法並行之方式，營造古文字和岩畫般滄桑古樸的氣息，呈現高古藝術的獨特美感。

1962年，李元佳應蕭勤邀請前往米蘭，並聯同日本雕塑家吾妻兼治郎、意大利畫家卡爾代拉拉發起「龐圖運動」；翌年，又在國際知名設計師葛維納的贊助下，前往博洛尼亞展開為期四年的旅居生活，繼續磨練其個人藝術風格。在位於聖拉扎羅（San Lazzaro）的葛維納傢俱工廠裡，李元佳始於1959年的「宇宙點」概念得以持續發酵，以往較為奔放的構圖變得簡化和集中，筆觸含蓄內斂，紀綠他靜觀之後最低限的精神思緒活動。此時，李元佳將調色盤精簡至只剩紅、黑、金、白四色：「紅」指血和生命、「黑」代表開始與結束、「金」象徵尊榮，「白」則是純潔。是次日拍的一系列《無題》（拍品編號703、709、710、791、792、795及796），無論是以水墨、油彩、或綜合媒材繪製，作品均遵從簡約而超逸的格調，一劃一點代表著萬物的始與終，大面積的留白則平衡陰陽與虛實，帶出作品強烈的思索性以及靜觀表現。在葛維納的工廠駐紮期間，李元佳充分利用身邊豐富的創作媒材—如木料或金屬板，開始製作淺浮雕等立體創作；兩件《無題》（拍品編號709及791）配以原裝畫框，皆是當時藝術家親手所製，完好無缺保存至今，實在難得。

設計大師葛維納和他的《超移動》系列

葛維納是意大利現代藝術史上舉足輕重的設計師、企業家、藝術贊助人與收藏家。自五、六〇年代，他已活躍於與一眾戰後藝術家以不同形式進行交流與合作，為設計界與藝壇之間架起重要的橋樑。1998年出版之《迪諾．葛維納：超理性．超移動》（Dino Gavina: Ultrazionale Ultramobile）完整記錄葛維納與諸位的深厚情誼，當中包括達達大師杜尚（Marcel Duchamp）和空間派創始人封塔納（Lucio Fontana）等國際知名藝術家，而李元佳與日本設計師高浜和秀亦並列其中。Paradisoterrestre為葛維納於七〇年代所成立之工作室，並與攝影大師曼．雷（Man Ray）、未來主義巨匠賈科莫．巴拉（Giacomo Balla）等合作設計家具，實現葛維納將藝術融入設計之中的宏大理想。2017年，適逢葛維納逝世十週年，Paradisoterrestre由新一代繼承人接管而重新活躍，繼續傳承葛維納的理念，是次日拍徵集的七項拍品（拍品編號705、706、707、708、711、712及713）均源自此一來源，乃葛維納早年親自監製的首批作品，不但品相上佳，估價亦殊為吸引，誠為難得之收藏機遇。

1971年，葛維納策劃一個龐大的協作項目，邀請當時知名度極高的藝術家們，為《超移動》系列提供設計概念，並由葛維納所成立之公司負責生產；他於同年發表宣言：「今天我們生活在一個被功能、理性和方法論所迷惑和主宰的時代，《超移動》系列的誕生即將引起風波……《超移動》不是單純的傢俱，它是個一個充滿奇蹟的物件、一件非凡的圖騰、一種在屋內會呼吸的存在、一首被凝結於歡騰的詩篇……《超移動》是一次冒險之旅。」是次上拍的七件《超移動》系列作品，將七〇年代的前衛視覺與觸覺體驗，重新呈現於藏家面前。

《超移動》系列是達達主義與超現實主義革命性的復興與延伸，多件作品均以「現成物」（Ready-made）的表現手法，將兩個前衛主義中極具標誌性的圖像，應用於傢俱之上。其中的《金寶湯椅子》（拍品編號713）由葛維納包辦設計與生產，其金寶湯罐頭的形象取自美國波普藝術家安迪．沃荷（Andy Warhol）著名的絲網版畫，為人熟悉的商標再度引用於葛維納的家居用品之上，將富爭議性的現成物概念推向極致；同樣地，智利畫家羅伯托．馬塔所設計的《瑪格麗特》（拍品編號705）椅子，引用了馬格利特（René Magritte）畫中經常出現的黑帽與青蘋果，這種符號式的再現與重組完美體現《超移動》系列的抽象理念，更被葛維納稱之為「詩性的荒誕」。而曼．雷和梅拉．奥本海姆則分別在《透明》 （拍品編號707）、《見證人》（拍品編號708）和《軌道》（拍品編號706）之上，將自己以往的創作進行改造而融合家居環境，賦予藝術品一種意料不到的親切感與功能性。

葛維納與日本設計師高浜和秀於1957年米蘭三年展結緣，縱使沒有共同的語言，兩人卻能夠了解彼此的設計理念，其後更曾多次合作設計傢俱，以東西合璧的手法共同挑戰現代設計的可能性。是次上拍的《安德烈‧馬松屏風》（拍品編號711）和《傑克森‧波洛克屏風》（拍品編號712）為二人於七〇年代創，多扇併合的曲屏形式源自日本的裝飾性屏風繪畫，屏上的圖案則參照安德烈‧馬松和傑克森‧波洛克的藝術風格，以向兩位二十世紀西方藝壇巨人致敬；作品展現協調東西方文化之獨到美感與品味，更使設計與藝術之間的微妙隔閡進一步消融，成為副富於實用功能的藝術傑作。