陳其寬

款識∶
陳其寬 五五（右下）

美國私人收藏
亞洲私人收藏

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文人的情思

古代文人畫家講究全面的文化修養，表現在藝術上，詩詞、行書、作畫樣樣均通，而才情、學問與思想更缺一不可。「文人」是對自我不僅在生活，亦是在藝術上全方位的高度要求。而文人孤高，在世時或許相對寂寞，但其才情不容被忽視。回顧中國現代藝術的發展，于彭、葉世強、陳其寬與李元佳，可被視為現代文人藝術家的典型。

于彭：我用我法自有我在，滿溢與充實的「新文人山水」

1955年生於台北的于彭，從未進入正統藝術學院就讀，但在22歲時，他立志成為藝術家，開始在台北新公園擔任街頭畫家，長達三年的時光除了為人畫肖像，也觀察每天在公園裡上演的人生百態，現代的公園如同古代文人雅士集聚吟詩作畫、生活中的園林，公園中的造景，試圖在有限的空間予人一個進入無限的自然窗口，就像是于彭的繪畫。

山水與園林是于彭自1980年代起創作中反覆出現的空間場域。于彭以水墨為材表達對自然的觀察與生活的關照。其下筆一瀉千里，如公孫大娘舞劍般將滿溢的思緒信筆化為紙上密密麻麻的風景。在他的繪畫世界裡，我們不見中國傳統水墨畫家講求的「留白」，取而代之的，「滿」與「實」成為其繪畫特色。對多數講究筆法的傳統水墨畫家而言，他的筆墨是不正統的，並可能毫無章法，但透過長時間繪畫的積累，卻也獨具風格，充滿如八大山人「我用我法，自有我在」的態度。其創作在90年代臻於成熟，下筆達隨心所欲。是次上拍的《花間一壺酒之二》（拍品編號5064）、《水漫山間重重開之二》（拍品編號5065）與《奇香薰人欲醉》（拍品編號5063）即為最佳例證。

《花間一壺酒之二》為二聯屏，于彭在畫面的造景與佈局上突破傳統，他使用尺寸規格統一的長幅，並排成為手卷，綜排成為掛軸，縱橫如一，可自行變化，為其創新。在畫裡層疊的山石間，不合比例的巨大人物或俯或仰，或坐或臥，當中山石的構成沒有傳統的透視原則，它們不合邏輯卻拙趣怪誕地自成一格。人物間看似沒有直接的關聯，但又像因命運的轉輪而生成某種牽扯，于彭像是一個說書人，娓娓道來這些人物的前世今生。而在《奇香薰人欲醉》，藝術家在園林中安排了兩個裸身的男女，在看似溫文的文人畫境中，大辣辣地流露對於情欲的探索，于彭無所避諱，如其所言，他向觀者所揭露的是「人性」。《竹影花間》（拍品編號5066）則改用油彩為媒材，描寫的內容同樣是于彭的神遊與幻想，逸筆草草，超然物外，畫中主角若遺世獨立於桃源仙境，訴說著神秘的末世寓言。

葉世強：筆紙寄情，詩書畫一體，純粹與極簡的力量

1926年出生的葉世強，帶有強烈的文人與隱士性格。其為嶺南畫派名家高劍父在廣州藝專最晚期的學生，年少時即展露高度藝術天分，並在師長引領下奠定了扎實的藝術基本功，1949年，他與同學乘船欲到西北探索增廣見聞，卻因國共內戰輾轉離鄉到台灣定居，隨後進入省立師範學院美術系，其傑出的色感與大膽的構圖受系主任黃君璧高度欣賞，但他的性格高孤，除卻1960年代曾於復興美工與台大美術社任教，1980年代開始深居簡出，先後隱居新店、瑞芳與花蓮，拒絕一切無謂的打擾，全心投入創作，將藝術作為精神淬練與身心修為的途徑，其書法、水墨、油畫、製琴樣樣精通，並鑽研易經老莊哲學。由於在生活上深入簡出，離群索居，不願隨意將作品示人，也不隨便售畫，生前僅於2005-2007在台北紫藤廬、國父紀念館少數幾處發表個展，此也導致其在今日尚不為人所熟知，但他的創作語彙精煉而純粹，是次藉由三件作品《八哥蕉葉》（拍品編號5060）、《水仙》（拍品編號5062）、《威尼斯遊船》（拍品編號5061）可探其風華。

《八哥蕉葉》在偌大的畫紙上，藝術家大膽地以橫掃的筆墨勾勒出一大片芭蕉葉，葉片若被風吹動而婆娑輕擺，形成自然的弧度，一隻小鳥停歇其上。藝術家不畫整棵芭蕉樹，刻意以一片蕉葉代替全體，以簡馭繁，若將事物的精粹提煉消化後而下筆，精煉的筆調篤定堅實，落筆成形，中國傳統文人書畫的「留白」美學被自然地延續。在此，留白並非空無一物，而指喻廣渺無邊的自然。畫境並帶有些許自傳意味，天地之大，雛鳥獨自在此棲身，眼望向遠方，或也寄託了藝術家的鄉愁，並言說了一種生命孤獨的本質。《水仙》在墨之外，並加入了輕快的瀲灩色彩與提字，展現中國傳統「書畫一體」的形式，從揚長的黑色線條中，我們可見豐富的墨色變化，暈染、濕筆、到乾擦，充滿表情。葉世強以寫意之筆取水仙的形貌，而不被其細節所拘，展現充盈的生機。右方所提的是明代楊慎的《臨江仙》一詞，言：「滾滾長江東逝水，浪花淘盡英雄，是非成敗轉頭空，青山依舊在，幾度夕陽紅」隱士的淡泊與滄桑，盡在不言中，字裡行間無不是人生智慧。

《威尼斯遊船》則展現了藝術家終極的美學追求，海天以明度不同的藍色塊劃分為二，一筆細膩的白線，勾勒出水平線，斷續的線條如同水波拍動的韻律，無人的白色貢多拉船飄搖其間，當中色塊與線條的搭配呈現完美的和諧與純淨，多一分、減一分都不得，展露藝術家極簡、特出的美學觀與詩意，創作此作時，為葉世強對外展覽較多，獲得迴響的2007年，完滿平和的心緒亦流瀉其間。

陳其寬：超越傳統的疆界，特殊建築視角的融入

「我要見人之所未見，思人之所未思，畫人之所未畫，創人之所未創。」
陳其寬（節錄自藝術家出版社之《陳其寬：東西美術交會的水墨畫先知》）

曾被英國著名藝評家蘇立文評為「最具創造性的中國藝術家」的陳其寬，有著不同於正統藝術學院畢業的藝術家背景，他在1940入北京中央大學建築系，之後赴美國伊利諾州立大學主修建築，在1951至1954年擔任哈佛大學建築研究所所長葛羅培斯(Water Gropius) 建築事務設計師，在美期間曾獲許多建築設計競賽的大獎，但在建築之外，他對繪畫也展現了洋溢的才華，他主以水墨為材，自1951年試圖在其中融入不同的技法與視點，如拼貼、蠟染、滴彩、墨拓，以及建築常用的俯視鳥瞰圖、平行剖視圖、包含轉視的飛行圖等多重視角，打破傳統水墨在創作時的慣性，交迸出不同的火花。自1952年至1955年他先後在紐約懷伊畫廊、波士頓布朗畫廊、米舟畫廊舉辦個展，作品大獲好評，幾乎全數售罄。完成於1955年的《荷花》（拍品編號5058），即為藝術家早期的代表作。

陳其寬在狹長的宣紙上，大膽地融入滴彩與若蠟染的擴散效果，並以近乎半對稱的構圖描繪荷塘中亭亭而立的飽滿荷葉，蜿蜒的枝幹分別向上、下伸展，自然地將空間延伸至畫外，而交織對稱的荷枝構成一綺麗的夢幻世界，此打破了傳統文人水墨對於「不對稱」的構圖追求，並帶有些許裝飾性。而在澄明的水波間，陳其寬細膩地刻畫了悠遊嬉戲的蝦群，巧妙生動地增添了作品的情味，作品不論遠觀或近賞均各有巧妙，如同藝評家李鑄晉所言：「其畫乍看之下只是普通山水，細品之則見充滿生機，予人一種青春喜悅之感，他是在浩瀚宇宙的宏觀中，尋求細小萬物和諧情趣的微觀，充滿了無限的人間味。」

李元佳：減法的觀念繪畫，挑戰觀者的想像

「我在表達中國思想的哲理和西方藝術的精神。這些影響結合起來一同成為我創作的基礎——簡單、人性、感性、符號學。」
李元佳（節錄自台北市立美術館出版社之《李元佳回顧展：觀．點》）

李元佳在中國美術史上無非是個「異數」，其於1949年從廣西到台灣，入李仲生畫室習畫，李仲生強調「用心靈、眼睛，最後再透過手繪畫」，教學中並介紹西方現代藝術的理論和東方的書畫美學，開放的教學方法啟發無數後進，個性寡言的李元佳，對於寫實的描繪不感興趣，他自言「想畫出人的眼睛看不到的東西，表現世界的純粹、簡單、美妙和奇幻。」他在1959年與霍剛、蕭勤共創「東方畫會」，並首度對外發表第一件創作，那是一張正方形的白色畫布，上頭僅畫上一個小黑點，他仿若一個觀念藝術家，將畫布上頭所有可能的筆勢濃縮成一個點，並宣告創作的完成。在那個時代，採取如是「減法」的繪畫方式，與飽含象徵性的作品，無疑是前衛的。1962年李元佳前往歐洲發展，旅居義大利與倫敦，後續並於倫敦前衛藝術的重要推手信號畫廊（Signal Gallery）、李森畫廊（Lisson Gallery）舉辦了幾次重要的個展，作品在當時廣獲藝評家討論，曾被讚賞「看似不著一力，確有著誘使觀者凝望靜觀的品質」。是次上拍的《無題》（拍品編號5059），即為藝術家60年代的創作典型。

在《無題》中，李元佳刻意援引中國傳統書畫的裝裱形制，在那兩條如同對聯般，貼裱著金箔的長形方塊上，我們見不到任何具體的山水形貌，李元佳打破了觀者固有的期待，並挑戰我們的想像，畫中僅有幾個小點與方塊，這些小點，對李元佳來說別具象徵意義，他認為：「點為萬物的開始，亦為終止，每一個環境本身都是一個宇宙點。」他將眼中所見的事物與風景化為原始的點，就像是一個故事的起點，留給觀者無限的靜思與想像空間。除此之外，李元佳並將用色凝縮為四個對他具有象徵意義的顏色：象徵開始與結束的黑、代表血液與生命的紅、寓意尊榮的金與純潔的白。透過幾何的構成，色彩譜出和諧的韻律，大辣辣地宣告一種最為極致、純粹的本質，李元佳透過作品向觀者拋出了問句，待人凝神品味。其作品曾於2004年被倫敦泰德美術館收藏，台北市立美術館並於2014年替他舉辦了大型的回顧展，作品漸獲收藏界關注。