有形之手：春拍當代藝術晚拍焦點鉅作

五十周年當代藝術晚拍中面世的多件頂尖拍品，均呈現出抽象與具象之間令人著迷的二元特性，步步拓闊抽象和具象的論述。「藝術家的有形之手」，即藝術家本人的創作痕跡，曾經被視為藝術創作和鑑賞的必要元素，但時至今日，這些討論焦點亦慢慢移向藝術「質」的呈現：質感、重量、顏色、軟硬度⋯⋯以及這些特質在反映藝術家自我之餘，如何進一步揭示作品的深層意義。

羅伊·李奇登斯坦以乾淨而棱角分明的手法，呈現出如機器製作的畫面構圖；格哈德·里希特則在刮畫之中，抹去人類記憶和觸感的痕跡。安東尼·葛姆雷將鋼塊焊合，創造出一個模仿人體空間和物質的形體；相反，塞西麗·布朗以鬆散的筆觸，在肉體之間穿梭自如；拉法·馬卡龍則利用麥克筆、蠟、噴漆、塑膠彩、水粉和油彩，呈現一個個謎樣的角色。這批藝術家不約而同在探索事物本質的過程中，重新編織意義，捕捉當下的本質——他們的創作本身，便是「當代」的定義。

羅伊・李奇登斯坦《人物》，1977年作

《人物》是李奇登斯坦個人極為喜愛的作品，終其一生珍藏不賣。他把自己標誌性的普普風格引入超現實主義的神秘領域，重新演繹為人熟悉的元素。1977年，李奇登斯坦開始鑽研超現實主義，並把最擅長的條紋和班戴圓點與畢加索的沙灘裸女、達利的沙漠風景和米羅的有機圖形混搭錯配，創作出49幅畫作。在解釋那猶如印刷機器般精準的美學時，他表示：「我想隱藏人手創作的痕跡」，反映了七、八十年代的李奇登斯坦更樂於大膽嘗試。《人物》曾多次入選李奇登斯坦的重要作品展，包括2010年米蘭三年展的「羅伊・李奇登斯坦：思考藝術」（Roy Lichtenstein: Meditations on Art），印證了他對二十世紀藝壇作出的傑出貢獻。

格哈德・里希特《抽象畫》，1992年作

《抽象畫》是一組極其珍罕的四聯畫，作於1992年，亦即是里希特在倫敦泰特美術館舉辦突破性回顧展后的翌年，展現了這位德國藝術家在巔峰時期出色的抽象實踐。到1992年，里希特已經掌握了刮板技術，這意味著他能夠將藝術性的把控交給顔料的物理性質，從而抹去所有藝術家的手工痕跡。隨著藍色和綠色的顔料層在畫布上塗抹、拖曳和留痕，排列之間形成了詩意的對話，水平和垂直的條紋互相交織，產生明顯的節奏感和運動感。《抽象畫》是里希特在1992年第九屆卡塞爾文獻展中裝置作品的核心，隨後更在藝術家的里程碑式回顧展「格哈德·里希特：1962-1993年繪畫」中呈現，這個展覽進一步巡迴到巴黎、波恩、斯德哥爾摩和馬德里的重大機構。用評論家多麗絲·范·德拉森的話來說，這是一場「重置當代藝術標準」的展覽。

格哈德・里希特《無題48號》，1973年 | 估價：700,000 - 1,000,000 港元

與此同時，當代藝術日間拍賣亦呈獻一幅里希特的早期抽象作品《無題48號》（1973年），展示了藝術家對色彩和形式的實驗，反映出他藝術實踐的形成，進而成爲世界上最重要的在世畫家之一。

「我總是需要再畫抽象。我需要那種快樂……我們在抽象中一定能找到某些事物，一種更高超的官能，一種不斷發展的感受力。」

格哈德・里希特

安東尼·葛姆雷，《OPEN HIDE》，2016年作

多年來，葛姆雷藉著創作孜孜探尋建築與人體之間的關係，《Open Hide》便是其中的優秀作例，它屬於「開放砌塊」（Open Blockworks）系列，試圖打破身體邊界，在通透與密閉之間來回變幻，邀請觀者遊走在開放與封閉、穩定與崩塌的邊緣。葛姆雷說：「我想讓軀體敞開。（……）我想激發觀者的好奇心，也讓他們意識到自我在時間和空間中流逝」。本作尺寸如真人，藝術家巧妙利用正負空間，鼓勵觀者通過自己的身體框架思考雕塑與自身的關係。通過不同材料、姿態和空間關係，藝術家努力賦予那隱晦而且最深刻的東西一種形式，而這東西就是感知。感知佔據身體，而身體棲居於世界。

「質量與空間、光明與黑暗、線條與體積各就其位。從作品身上，個體閱讀到自身所受的震撼經驗。」

安東尼·葛姆雷

塞西麗・布朗《他們現在在哪裡》，2013年作

塞西麗・布朗一直探索以油彩描繪人體和環境的可能性，這幅混雜了豐富色彩和動態的《他們現在在哪裡》就是這種典型的狂歡式探索。在這幅作品中，藝術家以嶄新的風格演繹傳統的裸體群像畫，鬆散的筆觸勾勒出擠滿人物的畫面；油彩經按壓、抹拭和擠捏成畫布上的肉感色塊，令人充份感受每道筆觸所流露的身體親密感。塞西麗・布朗以1968年Jimi Hendrix Experience樂隊的經典專輯《Electric Ladyland》的封面為靈感，創作了一系列作品，包括本作。在無限的空間中，零散的人體各自遊走，一如藝術家所言般「自成一個繪畫世界，一個個女子在其中來去自如⋯⋯它帶有一種心理性的、源於自我記憶的感覺」。2013年，本作在洛杉磯高古軒畫廊舉行的塞西麗・布朗個展首度展出。

拉法·馬卡龍《CAC I》，2021年作

拉法·馬卡龍《下班後》，2018年作 | 估價：1,200,000 - 1,800,000 港元

自學成才的藝術家拉法·馬卡龍曾受物理治療師的專業訓練，熟知人體形態結構。他筆下的人物明顯拉長，四肢如球體，頭顱放大，這些「怪誕奇幻、充滿超現實形象和表現主義色彩的人物」，沿襲多位現代主義大師，包括「原生藝術」（「原始藝術」）之父尚·杜布菲。本作曾在西班牙馬拉加當代藝術中心的「十五」（Quince）馬卡龍個展展出，尺幅宏大的《CAC I》是當時特別為展覽創作的十五件作品之一，也是至今登上拍場的最大幅馬卡龍作品。本作出自馬卡龍首次以編號命名的作品系列，編號手法容許觀眾在他創造的超現實世界中自由馳騁。本作亦見證了馬卡龍回歸早年作品常用的黑白創作主色，並利用黃褐色和赭色點綴的手法。

今季當代藝術日拍同時帶來馬卡龍的早期作品《下班後》，在日常場景中繪有他筆下的虛構角色。奇幻的人形和犬狀角色置身於富金屬感的粉紅及紫色派對房間，讓人一窺馬卡龍另類的幽默感。