Mattia Preti

N. de Gaetano, 'Unpublished and Rediscovered Works by Mattia Preti', in Treasures of Malta, volume 28, no. 83 (to be published in Easter 2022).

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N. de Gaetano, 'Unpublished and Rediscovered Works by Mattia Preti', dans Treasures of Malta, volume 28, n° 83 (à paraître au Printemps 2022).

A major rediscovery to add to the artist’s corpus, this magisterial composition bears witness to Mattia Preti’s mastery of monumental and theatrical scenes. Datable to his Maltese period, it also attests to the artist’s extensive research and his accomplished technique.

Mattia Preti’s oeuvre consists mainly of classical or biblical subjects. Born in Taverna, Calabria, his training undoubtedly reflected the intellectual standing of this little town deep in the mountains. In 1630, he left for Rome with his elder brother Gregorio, to study painting; here he discovered Caravaggism, which influenced his art for the rest of his life and which set him apart from his brother. Mattia Preti was given several honorific titles by Urban VIII, and received commissions from the influential Barberini family. When the pope died in 1644, the Barberini fell from grace and Mattia Preti went to Venice.

He thrived in the city of the Doges: although there is very little precise information about his activities between 1643 and 1646, his painting evolved significantly during these years and his style became closer to the Venetians. Preti returned to Rome around 1650, where he worked alongside Giovanni Lanfranco (1582-1647) and Domenichino (1581-1641), before establishing himself in Naples three years later and then in Malta towards the end of the 1660s.

Lanfranco had an important impact on Preti: it was from him that Preti borrowed the monumentality of his figures and the strong contrasts between light and shade. The present painting bears witness to the strength of this influence. A white light falls on the figure of Thomyris, increasing her prominence, as well as on the armour and helmets of the soldiers bringing her the head of Cyrus. Musculature is accentuated with strong chiaroscuro, giving the work both monumentality and theatricality.

While Preti’s works are difficult to date, the powerful figures, the skilfully constructed movement in the composition, and the red and brown palette enable the work to be assigned to the second half of Preti’s career.   

A comparison with works such as Esther and Ahasuerus and Solomon offering Incense to the Pagan Gods (formerly Whitfield Fine Art, London), dating to the late 1670s when Preti was in Malta, could even imply that the present painting dates from the same period: the powerful composition, balanced by contrasts of light and shade, as well as the work’s vigour, show that the artist has managed to blend the Caravaggism of his youthful works with a strength of expression that is all his own. The work’s dramatic impact is enhanced by its imposing size.

There are other known versions of this composition: one of these, once mentioned as being in the collection of the Cotoner i Cotoner family, seems to be of lesser quality and probably comes from Preti’s studio. The painting attributed to Preti’s studio in the Musée du Louvre in Paris (oil on canvas, 174 x 213 cm; inv. RF 1954 19) is tightly framed around Thomyris, reducing the effect of perspective and the monumentality of the painting.

A comparison with the painting once owned by the Cotoner i Cotoner family highlights some differences which could betray the presence of pentimenti in the present composition, for example one of the helmets hanging from a column, which no longer appears in the present composition. Equally, there are differences in the objects on the ground in the centre of the composition, as well as in the lacing around the left foot of the soldier on the right of the composition. This same figure has a clearly visible pentimento around the right forefinger. Could this therefore be a preparatory work for a larger painting, now lost?

In the present painting, Thomyris has been relegated to the right of the composition, but is given due prominence by the light that seems to radiate from her. With her forefinger, she points to the head of the decapitated Cyrus, ordering it to be plunged into a basin of human blood. This act is the Queen of Scythia’s revenge for the death of her son.

The account comes to us from Herodotus: Cyrus, seeking to expand his kingdom, wishes to marry Thomyris, the last queen of the Amazons. When she refuses, he launches an attack and seizes her son; ashamed of being taken prisoner, Thomyris’s son takes his own life. Battle continues and at last Cyrus is killed: Thomyris commands her army to find his remains and decapitate him.

This scene was very popular in both literature and art: often associated with Judith, Thomyris illustrates a powerful victory over Evil. 

We are grateful to Prof. Keith Sciberras who confirmed the authentication of this painting, based on photographs.

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Redécouverte majeure au sein du corpus de l’artiste, cette composition magistrale témoigne de la maîtrise de Mattia Preti pour la représentation de scènes monumentales et théâtrales. Datable de la sa période maltaise, elle traduit également l’aboutissement des recherches de l’artiste et une technique accomplie.

L’œuvre de Mattia Preti figure principalement des sujets classiques ou bibliques. Né à Taverna, il a sans doute reçu dans cette cité au cœur de la montagne, un apprentissage à la hauteur de la réputation intellectuelle de la ville. Mattia Preti part vers 1630 à Rome avec son frère aîné Gregorio, pour y étudier la peinture ; il y découvre le caravagisme, dont son art restera marqué jusqu’à la fin de sa vie et qui le distingue de son frère. Mattia Preti reçoit plusieurs titres honorifiques d’Urbain VIII, accompagnés de commandes de l’influente famille des Barberini. A la mort du pape en 1644, les Barberini tombent en disgrâce et Mattia Preti part à Venise.

Son séjour dans la cité des Doges est des plus prospères : si peu d’informations nous permettent de connaître son parcours exact entre 1643 et 1646, sa peinture évolue considérablement durant ces années, vers un style se rapprochant des vénitiens. Preti revient ensuite à Rome vers 1650, où il travaille aux côtés de Giovanni Lanfranco (1582-1647) et du Dominiquin (1581-1641), avant de s’installer à Naples trois ans plus tard, puis à Malte vers la fin des années 1660.

Lanfranco joue un rôle important : Preti lui emprunte la monumentalité de ses figures et les forts contrastes entre ombre et lumière. Le tableau que nous présentons ici témoigne de cette forte ascendance. Une lumière blanche tombe sur la figure de Thomyris pour la mettre en valeur, et sur les armures et casques des soldats lui apportant la tête de Cyrus. Les musculatures sont mises en évidence à l’aide de forts clairs-obscurs, donnant à la fois théâtralité et monumentalité à l’œuvre.

Si les œuvres de Preti sont difficilement datables, la puissance des figures, le mouvement adroitement construit dans la composition, ainsi que les couleurs dans les rouges et les bruns, permettent de situer l’œuvre plutôt dans la seconde partie de la vie de Preti.

La comparaison avec des œuvres telles qu’Esther et Assuérus et Salomon offrant de l’encens aux dieux païens (anciennement chez Whitfield Fine Art, Londres), datant de la fin des années 1670 durant lesquelles Preti est à Malte, permet même de suggérer que notre tableau date lui aussi de cette période : la composition forte, équilibrée par des contrastes de lumière et d’ombre, ainsi que la puissance de l’œuvre montrent que l’artiste est parvenu à conjuguer le caravagisme de ses œuvres de jeunesse, avec une force d’expression qui lui est propre. La forte impression qui se dégage de notre œuvre tient également de son format imposant.

D’autres versions de cette composition nous sont connues : l’une, mentionnée anciennement dans la collection de la famille Cotoner i Cotoner, semble de moins belle qualité et revient plus probablement à l’atelier de Preti. Citons également le tableau attribué à l’atelier de Preti conservé au musée de Louvre à Paris (huile sur toile, 174 x 213 cm ; inv. RF 1954 19), dont le cadrage resserré sur Thomyris diminue l’effet de perspective et de monumentalité de l’œuvre. 

La comparaison avec le tableau de la famille Cotoner i Cotoner permet de remarquer quelques différences qui peuvent traduire la présence de pentimenti dans notre composition, à l’image de l’un des casques suspendus à la colonne, qui n’apparaît plus dans notre composition. De même, les éléments sur le sol, au centre de la composition, ainsi que le laçage du pied gauche du soldat à droite de la composition diffèrent. Sur cette même figure, un pentimento est quant à lui bien visible au niveau de l’index droit. S’agirait-il alors d’une œuvre préparatoire pour une composition plus large, aujourd’hui perdue ?

Dans le présent tableau Thomyris est relayée à droite de la composition, mais la lumière qui semble irradier d’elle, lui redonne toute sa place. De son index, elle désigne la tête coupée de Cyrus, qu’elle ordonne de plonger dans le sang humain. Par ce geste, la reine de Scythie se venge de la mort de son fils.

L’histoire nous est racontée par Hérodote : Cyrus, pour agrandir son royaume, souhaite épouser Thomyris, la dernière reine des Amazones. Celle-ci ayant refusé, il engage des combats et s’empare de son fils ; honteux d’avoir été fait prisonnier, le fils de Thomyris se donne la mort. Les combats continuent et Cyrus y trouve finalement la mort : c’est alors que Thomyris commande à son armée d’aller retrouver sa dépouille, et de le décapiter.

Cette scène connût en large succès dans la littérature et dans l’art : souvent associée à Judith, la figure de Thomyris illustre la victoire de la Force sur le Mal.

Nous remercions le Prof. Keith Sciberras d'avoir confirmé l'authenticité de ce tableau d'après photographies.